记忆的图案深度访谈：Athene Galiciadis对话三星艺术商店

“我并非用文字先构思概念，而是通过色彩层层叠加来完成创作。”

——雅典娜·加利西亚迪斯，当代艺术家

雅典娜·加利西亚迪斯的作品，其震撼力源于重复形态的动态演化。从绘画、雕塑到装置艺术，这位苏黎世艺术家借助网格、曲线与色彩区块，构筑了一套独特的视觉语法。这套语法由图案、材料实验以及贯穿抽象艺术、设计、工艺、科学和文学的多重参照共同锻造而成。

她的作品《静物（对渴望与归属的反思）》和《静物（窗）》入选了2026年巴塞尔艺术展（ABB）三星艺术商店数字作品集。这两件作品凭借鲜明的色彩与图案运用脱颖而出，这些特质天然契合三星艺术商店上的数字观赏体验。该数字作品集与巴塞尔艺术展合作，收录了来自参展画廊的瑞士艺术家作品，将艺术展的当代艺术带给全球的三星艺术商店订阅用户。三星新闻室与加利西亚迪斯进行了一场深度对话，探讨形式、色彩、入选作品背后的理念，以及数字展示如何让艺术融入人们的家居环境。

图案中的个人语言

问：你的作品在形状、色彩与材质上拥有一种独特的语汇。这种视觉体系是如何演变的？

我在洛桑的ECAL（洛桑州立艺术学院）学习美术时，开始构建这种视觉语言。当时，洛桑艺术界的许多艺术家都倾向于新几何主义（Neo-Geo）美学。我欣赏那种语言的严谨性，但从未完全认同其精确度。与其直接挪用，我尝试将其转化为更贴近自己内心的表达方式。

我开始运用几何形态、图案、重复和对称，但又刻意保留了手作的痕迹。每个形状都是手绘的，独一无二，与相邻的形状略有差异。图案在画面上微妙地变化着，并非遵循预设的系统，而是源于手工重复中自然产生的小小偏移。

问：你如何看待构图中的节奏、变化与变奏？

重复一直是我创作的核心，但我从未对作为精确复制的重复感兴趣。因为我的形态是手绘的，所以没有哪个元素是完全相同的。一条线可能稍微变粗，一个形状略有偏移，一种色彩的强度发生变化。这些差异不断累积，在画面中创造出一种动态感。

我常常从节奏而非图案的角度来思考重复。图案暗示着一个固定的系统，而节奏则允许波动、停顿、加速和意外的转折。从这个意义上说，我的构图或许更接近生物学而非几何学。它们有结构，但绝非完全可预测。它们重复，但从不完全相同。随着时间的推移，这种视觉语言已经超越了工具本身。在我看来，它成为了“中间状态”的载体，一种同时容纳模糊性、过渡性和多重意义的方式。

问：一件作品在开始创作之前有多少是计划好的，又有多少是在创作过程中决定的？

我通常会在脑海中先形成一个非常清晰的图像。我的思考方式是视觉化的，所以很多作品的开端是一个近乎完整的心理图像，而不是一个用语言表达的概念。但让我着迷的是，最终完成的作品从来不会和那个最初的图像一模一样。图像必须经过材料、笔触、尺度、时间和工作室现实的考验。在这个转化过程中，事情不可避免地会发生改变。

我并不把这些偏差视为错误或妥协。恰恰相反，它们往往是作品最有趣的地方。尽管起点常常非常明确，但最终作品总是通过创作过程本身来塑造的。这是一场意图与发现之间的对话，是我最初设想与作品在创作过程中自发要求之间的对话。

问：是否有某些材料、色彩或形式是你长期反复使用的？如果是，是什么吸引你不断回到它们身边？

是的，有些形式、色彩和主题会反复出现：蛇、螺旋、粉色、三角形、锯齿形等等。我并非有意识地决定重访它们；更像是它们自己又重新冒出来，仿佛它们还有些东西要教我。

我常把艺术研究看作一个螺旋形，而非直线前进的过程。你与某物相遇，离开它，探索其他方向，然后在某个时间点又回到它身边。但当你回来时，你和那个主题都已不是当初的模样。也许这就是我被反复出现的形式所吸引的原因。它们成了长期对话中的同伴。每次重现，它们都带着之前作品的痕迹，同时又开启新的问题和可能性。

“静物”的含义

“那些提供安慰和归属感的结构，也可能成为分离和排斥的机制。”

问：你的调色板常在柔和的粉色、绿色和黄色之间游走，而深蓝色和黑色则增添了对比。你如何看待色彩塑造张力、深度或氛围的方式？

对我来说，色彩是非常个人化的。我并非主要将其视为装饰元素或阐释观念的方式。相反，色彩是一种思考方式，也是一种艺术研究的形式。

在很多方面，这个过程取代了语言。我不是用文字来构思想法，而是用层层叠加的色彩来创作。通过这种缓慢的积累，我寻找那些难以用语言精确表达的细微差别、张力和关系。最终呈现出的深度，不仅是视觉上的，也是情感和概念上的。

问：能分享一下入选2026年巴塞尔艺术展三星艺术商店作品集的作品，以及它们创作时的情景吗？

这些作品是从我在工作室里同时进行的一个更大的绘画创作系列中产生的。我很少一次只画一幅画。相反，几件作品会互相影响，共同演进，形成一种对话。一幅画布上出现的东西常常会迁移到另一幅上；开始于一幅作品的颜色、形态、节奏或想法，可能在下一幅作品中找到不同的表达。

这两件作品都是在这样的过程中诞生的。它们承载着不同画布间同时进行的多种探索和对话的痕迹。回过头看，我认为每件作品都是对一个持续思考的反映：归属、流离、记忆、传承与转变等议题持续占据着我的思绪。绘画并非提供答案，而是成为了这些主题得以共存和互动的空间。

问：作品《静物（对渴望与归属的反思）》的标题是如何确定的？它又如何帮助观众理解这件作品？

这个标题源于两种常常密不可分的状态。关于迁徙、流离、中间状态、转变、传承和身份认同的追问贯穿我的创作，塑造了我对世界的理解。“归属”意味着什么？谁被包容在内，谁又被排除在外？归属感能提供庇护、关怀和滋养，但同时也可能制造边界和排斥。

“渴望”尤其难以描述。对我来说，它常常与弥合某种距离的愿望相关。这种距离总是存在，但从未完全属于我自己。它可能代代相传，通过故事、沉默、记忆和文化断层被携带着。这是一种对联系、延续和理解的渴望，同时又深知有些距离永远无法完全跨越。

那些提供安慰和归属感的结构，也可能成为分离和排斥的机制。对我而言，《静物（对渴望与归属的反思）》就栖居在这种矛盾的空间中。它同时反映了归属的渴望，以及认识到归属从来不是简单、固定或纯粹的。

艺术在家中被赋予新的意义

问：三星艺术商店让人们有机会在他们生活的空间中接触世界级的艺术。这种与艺术品的日常关系，最吸引你的是什么？

最吸引我的是创造一种与艺术的日常关系的可能性。与艺术品最有意义的相遇，有时并不发生在博物馆里，而是在我们生活和度过时光的空间里。当你反复接触一件艺术品，它会成为你日常生活的一部分，这种关系会随着时间加深，最终变成记忆和个人历史的一部分。

这与我对合作、参与和社群构建的兴趣是相通的。我很喜欢各种让艺术进入日常环境的途径。通过“行动”等项目，我探索了意义如何在共享体验和持续参与中产生。我视艺术为能够创造联系并成为共享文化生活一部分的东西。

问：当一件作品成为家庭环境的一部分时，你认为观赏艺术的体验会如何改变？

我认为体验会变得更慢、更私密。在博物馆里，我们常常是匆匆一瞥，周围还有无数其他作品。而在家中，这种关系会随着时间慢慢展开，艺术品成为了日常生活的一部分。

你可能在喝早咖啡时注意到它，从房间经过时瞥见它，或者在经历艰难的一天回到家时看到它。有时你会仔细端详；另一些时候，它只是静静地存在于背景中。但无论如何，它持续地塑造着空间的氛围。

这件作品变成了一种持续发展的关系。意义会随时间改变，最初被忽视的细节可能突然变得重要。当观者改变时，作品也随之改变。这反映了我对艺术的理解：它不是固定的信息，而是开放的，能不断生发出新的联想。

“与艺术品最有意义的相遇，有时并不发生在博物馆里，而是在我们生活和度过时光的空间里。”

问：对于那些可能通过三星艺术商店第一次发现你作品的观众，你希望他们花时间去留意些什么？

我希望他们能花些时间与作品相处，让目光自由游走。乍看之下，我的画可能显得结构分明、重复或几何化。但如果你多看一会儿，微妙的转变、不规则和变幻就会开始显现。

我希望观众注意到，没有什么是完全固定的。形式重复着，但它们也在变化。色彩彼此重叠、揭示和掩蔽。最初看起来稳定的东西，会逐渐变得流动和复杂。

也许最重要的是，我希望人们允许自己去体验作品，而不必立刻去理解或解读它。我的许多创作都关乎那些介于不同类别之间的事物：介于归属与流离、秩序与不可预测、记忆与想象之间。这些都是无法总是用语言来表达的体验。

如果观众花时间去留意作品中的节奏、层次和细微变化，他们或许会发现，这幅画与其说是提供答案，不如说是为反思、好奇和个人联想创造了一个空间。我希望每个人都能找到自己的切入点，并随着时间的推移，与作品建立起属于自己的关系。

三星艺术商店是一项适用于三星艺术电视的艺术订阅服务。该服务通过与80多个合作伙伴合作，提供来自800多位艺术家的超过5000件4K画质艺术作品。三星2026年艺术电视产品线的扩展，使得三星艺术商店能够通过三星的显示技术和设计，将精心策划的艺术引入日常空间。